La Pintura matérica

Antoni Tàpies

La Pintura matérica es una corriente pictórica, dentro del informalismo europeo posterior a la Segunda Guerra Mundial. Se desarrolló desde finales de los años cuarenta y principios de los años cincuenta. Se considera que surgió en Francia, con la obra de Fautrier y Dubuffet. Además del Art brut de Dubuffet, puede considerarse que es pintura matérica el especialismo de Fontana. Francia, Italia y España son, pues, los países en los que más se ha cultivado esta pintura matérica.

Su característica principal es ser una pintura abstracta que se realiza con materias diversas a las tradicionales, incluyendo en el cuadro arena, arpillera, chatarra, harapos, madera, serrín, vidrio o yeso. Además de añadirle estos materiales no tradicionales, los pintores actúan sobre la obra destruyéndola en parte con cortes, perforaciones o desgarrones. El colorido es variado. La composición se diferencia entre zonas con materia y zonas de no materia.
Ya habían existido otros artistas precedentes que introdujeron en el lienzo elementos extraños a la pintura, como los dadaístas y sus objets trouvés, o los cubistas y sus collages en los que introducían cajetillas de tabaco o tiras de periódico. Los artistas posteriores al expresionismo abstracto recuperaron esta idea de introducir en la tela objetos cotidianos.
Artistas que tienen una tendencia matérica son:
Antoni Tàpies, con sus añadidos de arena y aglutinantes a la pintura, haciendo hendiduras y rayas en el propio cuadro.

Jean Fautrier

Se le conoce como el pionero del informalismo.

Durante los años veinte ya realizaba composiciones de pronunciadas texturas, pero fue durante la Segunda Guerra Mundial cuando comenzo sus obras mas conocidas: los Otages ( rehenes). Por entonces vivia escondico en Chatenay Malabry, en una clinica para enfermos mentales; desde los cercanos bosques llegaban los ecos de los fusilamientos sumarios a los miembros de la Resistencia y los Otages son una remembranza de esos ecos, transmutados plasticamente en una especie de coagulos de materia espesa, heridos por huellas e incisiones. Con posterioridad a la guerra continuo haciendo una obra de similares caracteristica, si bien los elemntos boiomorficos aluden a otros temas, a la vez que introducen un suave cromatismo junto a los ocres que caracterizan su primera produccion

Informalismo

El mismo término “informalismo”, ideado por el crítico francés Michel Tapié en 1951, hace referencia a la falta de sujeción a cualquier otro principio que no sea el de la libertad absoluta. La diversidad de los hallazgos personales en la exploración visual de la materia origina una extraordinaria heterogeneidad en las obras de los artistas acogidos bajo el epígrafe de la “no forma” entre los que se encuentran Fautrier, Michaux, Dubuffet, Mathieu o Burri. Se ha querido diferenciar la diversidad del movimiento informalista hablando de un informalismo materico, tachista gestual o especialista.

Informalismo

El informalismo es en Europa el movimiento equivalente al expresionismo abstracto en América. Se alimenta del desengaño producido por la guerra y la desconfianza hacia los valores vigentes antes de la catástrofe, y se apoya en el existencialismo como filosofía vital y en el surrealismo como técnica de apropiación del inconsciente. Si en Norteamérica la zozobra del existir cristalizo en el gesto violento y repetido, en Europa se encarno en la materia, una materia torturada, exhibida como despojo; el artista ya no pinta, al menos en el sentido tradicional del término, sino que rasga, araña, amasa y pega.

Arte Bruto

Jean Dubuffet

El Art Brut es un término acuñado en 1945 por Jean Dubuffet para referirse al arte creado por gentes ajenas al mundo artístico sin una formación académica.

Durante mucho tiempo se había intentado eliminar la realidad para sustituirla por las construcciones del espíritu o por las explosiones de la sensibilidad personal que los usos comunes no habían autorizado hasta entonces. Se iba a emprender un esfuerzo muy diferente: la realidad ya no será recusada, sino que será objeto de un trabajo corrosivo de degradación, que se aplicara esencialmente a la realidad humana. Sera investigada y perseguida en sus estados más elementales, menos elaborados por la inteligencia o por el fuego de la emoción. Se descubrirá lo “brut”, ósea lo basto.

La frase inconscientemente premonitoria de Buffon:

“Se puede descender por grados casi insensibles de la criatura más perfecta a la materia mas informe, del animal mejor organizado al mineral mas basto”.

Pintores Art brut

• Adolf Wölfli (1864-1930)
• Joseph Crépin (1875-1948)
• Augustin Lesage (1876-1954))
• Aloïse Corbaz (1886-1964)
• Jean Dubuffet (1901-1985)
• Robert Tatin (1902-1983)
• Gaston Chaissac (1910-1964)
• Ossorio (1916-1990)
• René Chomeaux, llamado Chomo (n. 1924)
• Paul Salvador Oroverde (n. 1960)

Escuela de Bauhaus

La primera escuela de diseño.
La Bauhaus fue fundada en la ciudad alemana de Weimar, en el año 1919 por Walter Gropius. La Bauhaus (bauhaus en alemán significa casa de construcción), fue la primera escuela en la que se estudió y enseñó diseño industrial.

El objetivo de Gropius en la Bauhaus fue integrar todas las artes con la tecnología moderna y unirlas, con el fin de obtener un diseño disponible para todos los niveles socioeconómicos.

La teoría de la Bauhaus sobre la enseñanza del diseño incluía un artista y un técnico en cada estudio de clase. De esta manera, los alumnos usaban su creatividad de forma libre y, simultáneamente aprendían la técnica. Los alumnos practicaban en los talleres por periodos cortos, con el fin de que entendieran la tecnología para la que posteriormente diseñarían.

Los principios fundamentales de la Bauhaus los podemos resumir en los siguientes:
Ruptura con lo tradicional y con los estilos preestablecidos.
Predominio de la función sobre la forma.
Interrelación estrecha entre, por un lado, la arquitectura y el diseño y, por otro, las ciencias aplicadas.
Adecuación de la vivienda a los recursos y necesidades humanas.
Una efectiva planificación urbana.
Se creía que las formas y los colores básicos representaban un precio industrialmente más económico, por lo que las formas del círculo, el cuadrado y el triángulo fueron tomadas como puntos de partida. En las clases sobre forma se empezaba a trabajar con estas figuras elementales y a cada una de ellas se le atribuía un carácter determinado. Así, el círculo era "fluido y central", el cuadrado resultaba "sereno" y el triángulo, "diagonal".

Más adelante, en el arte y en la escultura de Bauhaus se tomó este mismo concepto con el que trabajaron Wassily Kandinsky, Paul Klee y Johannes Itten.

Basandose en estos principios se diseñó la primera silla considerada mobiliario moderno: la "silla rojo-azul" realizada por Gerrit Rietveld. Nació también la idea de los muebles metálicos y de las estanterías, además de los clásicos sillones Barcelona, diseñados por Mies Van Der Roche, para el pabellón en la Feria Internacional de Barcelona en 1929.

Durante este periodo se unieron a la Bauhaus varios diseñadores y arquitectos, los cuales luego se convirtieron en maestros. Entre los diseñadores más destacados estuvieron Walter Gropius, Mies van der Rohe (quien remplazó a Gropius en 1930 como director de la Bauhause), Wilhelm Wagenfeld, László Moholy-Nagy y Marcel Breuer.